Enriquecimiento en el ámbito Artístico. Ana Martín Méndez (Coordinadora CREACIM)

1. Introducción: Fundamentación teórica

¿Cómo puedo diseñar una propuesta flexible, significativa y retadora que parta de los intereses del alumnado, potencie sus capacidades y les invite a pensar, crear y compartir desde la autenticidad?

Como fundamentación teórica podemos encontrar referencias de la práctica artística y la creatividad como elemento clave en el desarrollo cognitivo en diferentes autores ampliamente mencionados en este curso, como son David Kolb con su Teoría del Aprendizaje Experiencial o John Dewey. No obstante, en este apartado nos centraremos en la teoría desarrollada por Howard Gardner en 1983. 

La educación artística ha sido históricamente subvalorada en los sistemas educativos tradicionales, los cuales han privilegiado las habilidades lógico-matemáticas y lingüísticas como indicadores predominantes del rendimiento académico.

Sin embargo, la Teoría de las Inteligencias Múltiples de Gardner ofrece un marco conceptual que permite revalorizar el arte como un espacio de aprendizaje y desarrollo cognitivo. 

Gardner sostiene que la inteligencia no es una capacidad única y homogénea, sino un conjunto de potencialidades distintas que se manifiestan de manera diversa en cada individuo. En su propuesta original, identifica al menos ocho tipos de inteligencia, de las cuales varias tienen una relación directa con la práctica artística: la inteligencia musical, la inteligencia corporal-kinestésica, la inteligencia espacial, la inteligencia interpersonal y la inteligencia intrapersonal. 

La inteligencia musical se potencia mediante la práctica instrumental, el canto, la composición y la apreciación estética del sonido.

Por su parte, la inteligencia corporal-kinestésica sería fundamental en disciplinas como la danza, el teatro y la escultura.

La inteligencia espacial es esencial en actividades como la pintura, el diseño gráfico y la arquitectura. 

Asimismo, la inteligencia inter e intrapersonal son relevantes en el ámbito artístico al facilitar la interacción social, la empatía y el autoconocimiento. El arte, en este sentido, se convierte en un vehículo para la exploración emocional, la construcción de identidad y el desarrollo de habilidades comunicativas. 

Desde una perspectiva pedagógica, la aplicación de esta teoría en el contexto artístico permite diseñar currículos más inclusivos y personalizados, que reconozcan y valoren la diversidad de talentos que tenemos en el aula.

El arte, entonces, no solo enriquece el aprendizaje, sino que también contribuye al desarrollo integral del estudiante, fomentando la creatividad, la sensibilidad estética y la capacidad de reflexión. 

La práctica artística no es una actividad periférica, sino una dimensión esencial del desarrollo humano. Integrar esta perspectiva en la práctica docente implica transformar la educación en un espacio más equitativo, significativo y humano. 

2. La creatividad como necesidad educativa en alumnado con altas capacidades

De la misma forma, la creatividad, tan presente en la práctica artística, suele presentarse como rasgo distintivo del perfil de altas capacidades y se expresa en el ámbito artístico mediante la fluidez de ideas, la flexibilidad para cambiar de enfoque, la originalidad en la producción y la elaboración prolija y detallada.

En este sentido, el arte no solo se convierte en un canal de expresión personal, sino también en una herramienta pedagógica poderosa para atender la diversidad, fomentar el desarrollo integral y enriquecer el proceso educativo del alumnado con altas capacidades.

3. Perfil de altas capacidades y práctica artística

Nuestros chicos y chicas con altas capacidades suelen tener un perfil cognitivo y emocional complejo, caracterizado por una elevada capacidad de razonamiento, aprendizaje rápido, pensamiento abstracto y una curiosidad intensa por el entorno.

A menudo, manifiestan una gran sensibilidad emocional, una marcada autonomía en el aprendizaje y una tendencia a cuestionar normas o estructuras establecidas.

En el ámbito artístico, este perfil puede expresarse a través de una sensibilidad estética definida, una gran capacidad de observación y una inclinación natural hacia la creación simbólica. 

 De la misma forma suelen mostrar una necesidad de expresión personal profunda, y la práctica artística podría ser un medio ideal para canalizar emociones, reflexionar sobre su identidad y conectar con el mundo.

Para conseguir esto necesitamos un contexto educativo que proporcione un entorno flexible y estimulante que les permita desarrollar su potencial sin sentirse limitados.

Reconocer este perfil implica para nosotros, los docentes, una mirada atenta, empática y abierta a la diversidad de talentos, así como el compromiso de ofrecer oportunidades de aprendizaje que valoren la creatividad, la autonomía y la expresión individual.

4. ¿Cómo debe ser una propuesta artística para nuestro alumnado de altas capacidades?

En ningún caso una propuesta de enriquecimiento artístico debe centrarse únicamente en la destreza o habilidad en técnicas pictóricas, escultóricas o de otra índole.

El diseño de la actividad debe ser abierta y flexible, permitiendo múltiples formas de resolución y expresión.

El alumnado debe poder tomar decisiones sobre el enfoque, los materiales y el mensaje que desea transmitir. Además, debe incorporar algún reto cognitivo, como puede ser estimular su capacidad de análisis o utilizar diferentes referentes culturales.

Debemos fomentar también la reflexión personal e incluir momentos de interacción entre iguales, de manera que puedan compartir ideas y recibir una retroalimentación positiva con el grupo. Como se puede observar, nuestras actividades deben ir más allá, por ejemplo, de saber hacer una grisalla. 

De igual forma, debemos tener presentes también a aquellos alumnos o alumnas que no son hábiles en lo manual. Debemos plantear proyectos que permitan a los que no tienen grandes destrezas en este ámbito desarrollar su potencial creativo.

En este punto, podremos ofrecer soluciones que vayan más allá de la creación plástica (pudiendo acudir a productos más conceptuales) o proporcionarles la opción de utilizar imágenes de revistas, imprimir lo que veamos necesario o incluso utilizar una mesa de luz: lo importante no es saber dibujar algo, sino generar un producto que transmita un mensaje rico, completo y ajustado a lo que queremos expresar. 

5. No replicar el currículo

El PEAC es, como su propio nombre indica, un programa de enriquecimiento curricular.

Entonces, por definición, nuestras propuestas deben ir más allá de lo que el currículo oficial establece. A este respecto debemos conocer ampliamente lo que aparece como enseñanza obligatoria y no plantearlo como práctica artística en el PEAC.

A grandes rasgos debemos evitar contenidos como la alfabetización visual, el estudio del punto, la recta y el plano o la teoría del color, ya que todo esto se trabaja de forma ordinaria en los centros educativos.

Sería importante también no recurrir a productos ampliamente conocidos por nuestro alumnado como podría ser el cómic, el stop motion e incluso los típicos ejercicios de puntillismo que vienen realizando en ocasiones desde cursos tempranos de la Educación Primaria.

Debemos tener en cuenta que desde el aula ordinaria se trabaja a través del dibujo y, algunos casos, la pintura, con lo que os invitamos a que vayáis más allá. 

6. Ir más allá de la pintura

En el diseño de proyectos de enriquecimiento curricular en el ámbito artístico, es fundamental ampliar el repertorio de técnicas más allá del dibujo y la pintura tradicionales.

Existen múltiples lenguajes artísticos que permiten explorar la creatividad desde perspectivas diversas y complejas.

Podemos contar con el teatro y la expresión dramática o el cine y la creación audiovisual. La composición musical y la experimentación sonora pueden tener cabida en nuestros proyectos al igual que la fotografía, el grabado o la escultura más allá del modelado básico.

Otras técnicas como el arte textil, las instalaciones efímeras o el arte digital ofrecen oportunidades para trabajar con materiales no convencionales, explorar el espacio y vincular el arte con la innovación tecnológica.

Estas alternativas permiten al docente diseñar experiencias de aprendizaje más inclusivas, retadoras y significativas, que respondan a las necesidades cognitivas, emocionales y expresivas de los alumnos con altas capacidades, favoreciendo su desarrollo integral y su conexión con el entorno. 

7. Conectar la práctica artística con otros ámbitos del conocimiento

El concepto de enriquecimiento curricular y la ordenación del trabajo por ámbitos nos va a permitir trabajar de forma interdisciplinar.

Conectar el enriquecimiento artístico con otros ámbitos del conocimiento es una estrategia pedagógica poderosa que permite desarrollar aprendizajes significativos, interdisciplinarios y profundamente integradores.

El arte, por su naturaleza simbólica y expresiva, puede vincularse con áreas como la literatura, la historia, la ciencia, la tecnología, la filosofía o la educación emocional.

Por ejemplo, un proyecto artístico puede partir de una obra literaria para explorar narrativas visuales, o de un acontecimiento histórico para crear representaciones escénicas que promuevan la reflexión crítica.

En el ámbito Científico-Tecnológico, el arte puede utilizarse para ilustrar conceptos abstractos o, incluso, diseñar experiencias sensoriales que favorezcan la comprensión de dichos fenómenos. En este caso no podemos olvidarnos de la tecnología que nos ofrece las herramientas digitales, que permiten la creación de arte interactivo, audiovisual y generativo.

Además, el arte puede ser un vehículo para trabajar valores, emociones y el conocimiento de uno mismo y del resto, conectando con el ámbito de Habilidades Sociales.

En este enfoque, el arte no se concibe como una disciplina aislada, sino como un eje transversal que enriquece el aprendizaje en todos los ámbitos del conocimiento.

8. Conectar el arte con la realidad

Un último aspecto a tener en cuenta sería la posibilidad de conectar nuestros proyectos artísticos con la actualidad.

Conectar el arte con la realidad actual es fundamental en el proceso educativo porque permite que los estudiantes comprendan el mundo desde una perspectiva sensible, crítica y creativa.

Cuando se vinculan con temas sociales, históricos o científicos, el arte se convierte en una herramienta poderosa para fomentar el pensamiento reflexivo, la empatía y el compromiso con el entorno haciendo que el aprendizaje sea más significativo.

Un ejemplo podría ser la reciente pintura de Bansky y su fulminante borrado en las paredes de los Tribunales Reales de Justicia, en Londres. Sería muy interesante poder hablar de lo que quería manifestar el artista y del significado de borrarlo, de si el hecho de eliminarlo amplificaría o no el mensaje que quiere transmitir Bansky o de si es conveniente o no realizar una pintura en un edificio histórico.

9. Bibliografía

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